Sam Haskins biografias 8

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre

Sam Haskins, nascido Samuel Joseph Haskins (nascido em 11 nov 1926, morreram 26 de novembro de 2009), era um fotógrafo Sul Africano mais conhecido por sua contribuição para fotografia nu , pré- Photoshop na câmera de imagem montagem, e seus livros, o mais influente dos que foram Cowboy Kate (1965) e posters Haskins (1973). De 2000 a 2005, ele concentrou-se em fotografia de moda para a Vogue , Harper Bazaar , Allure e Nova York . Em 2006, republicada Cowboy Kate na edição de um "Cut Administração com algumas imagens adicionais. Em 2009 ele publicou, sob a marca da família A Haskins Pressione seu primeiro livro em 24 anos. 'Moda Etcetera "é uma fatia temática através de seu arquivos que explora uma paixão por moda, estilo e design. Ele sofreu um derrame em 19 de setembro de 2009, dia de abertura da sua exposição para lançar 'Moda Etcetera' na Galeria de Leite em Nova York e morreu em casa em Bowral, Austrália, nove semanas depois.

Juventude

Sam Haskins nasceu em Kroonstad na província do Estado Livre de Orange da África do Sul. Seu pai era um inspetor Ben mercadorias em estradas de ferro Sul-Africano . Primeiras influências criativas foram alimentados por um interesse na magia truques, pipa fazendo, desenho e circo . Um atleta talentoso, como um adolescente Sam se destacou no hurdling e treinado com um circo, resultando em uma oferta de emprego como um trapézio catcher.

Educação

Ensino superior formal estava no Johannesburg Technical College de 1945 a 1948, onde fez um curso de artes em geral seguido por um módulo de tempo da parte fotográfica. Entre 1949 e 1951, ele estudou na London School of Printing e Artes Gráficas no Tribunal de Bolt , mais tarde rebatizado de London College of Printing e agora conhecido como o London College of Communication .

Casamento e filhos

Sam Haskins casado Alida Elzabe van Heerden em 1952 e têm dois filhos, Ludwig (04 de agosto de 1955) e Konrad (26 de janeiro de 1963). Alida desistiu de uma carreira na moda logo após o casamento para se tornar parceiro de Sam negócio. Ela desempenhou um papel fundamental no lançamento de sua carreira, atuando como um agente de publicação de cinco meninas, quando Sam ainda era um fotógrafo desconhecido. Ela continuou a negociar publicação mundial de todos os livros subseqüentes Haskins.

Resumo da Carreira

Haskins começou sua carreira como fotógrafo de publicidade em Joanesburgo, em 1953. Ele correu o que foi provavelmente o primeiro estúdio de publicidade moderna freelance na África. Ele produziu trabalhos comerciais através de um espectro muito amplo de fotografia de natureza morta para industrial, moda e aéreas. Sua produção formais primeira criativo foi um one-man show em uma popular loja de departamentos Johannesburg chamado John Orrs em 1960. Esta fotografia em preto-e-branco apresentou de modelos em estúdio e incluiu algumas fotografias de bonecos feitos pelo jovem Elisabeth Langsch, que mais tarde passou a se tornar líder da Suíça ceramista .

Sua reputação internacional e as paixões de sua assinatura fotográficos foram estabelecidas por quatro livros publicados chave nos anos 60. Cinco Meninas (1962) explorou uma nova abordagem para fotografar a figura feminina nua e continha importantes primeiras explorações com o preto-e-branco de impressão, corte e livro projeto que se tornou uma característica chave de todos os seus livros posteriores. Cowboy Kate (1964) foi provavelmente o primeiro livro em preto-e-branco criativo do século 20 para explorar deliberadamente em preto-e-branco de grãos fotográfica como um meio de expressão e imagem design. O livro foi muito influente na época e passou a vender cerca de um milhão de cópias em todo o mundo e ganhar o Prêmio Nadar na França em 1964. Ele continua a influenciar fotógrafos contemporâneos, cineastas, estilistas e artistas compõem quase cinco décadas após a sua publicação.

A escassez de exemplares da edição original, que estava vendendo para colecionadores para até 3 mil dólares EUA, liderada Haskins para trazer para fora a versão 'corte do diretor' a remasterizados digitalmente em outubro de 2006, publicado pela Rizzoli, em Nova York. A nova versão do Cowboy Kate, além de edição de imagem e revisões layout, também possui 16 páginas de novas imagens adicionais.

Novembro Girl (1966) continha uma série de colagens de imagens-chave que formaram a base de muitas experiências gráficas e surrealistas na década de 1970 e 80. Imagem Africano (1967) foi uma homenagem visual para o povo indígena, cultura, paisagem e vida selvagem da África sub- saariana. As imagens no livro representam um interesse ao longo da vida em fotografar ambientes graficamente estimulantes e documentar formalmente paixão pessoal Haskins 'de artesanato indígena. Ele quebrou ossos em corredeiras e escreveu dois carros off saloon Volvo em estradas de terra Africano durante a gravação da imagem Africano. Apesar de seu prêmio internacional, este livro meticulosamente construída, celebrando o amor por África sub-saariana, é provavelmente a menos conhecida das grandes Haskins ' projetos criativos, no entanto, é cobiçado por colecionadores sérios de arte Africano e fotografia.

Em 1968 Haskins se mudou para Londres e dirigiu um estúdio em Glebe Coloque apenas fora da estrada rei . Ele trabalhou aqui como um fotógrafo de publicidade para uma lista de marcas de consumo internacional - Asahi Pentax , Bacardi , Cutty Sark uísque, Honda , BMW , Haig uísque, DeBeers , British Airways , Unilever e Zanders - e especializada na direção de arte e fotografia de calendários , especialmente para Pentax Asahi no Japão. Embora Haskins Hasselblad endossado por um curto período no final dos anos 60 e início dos anos 70 a sua lealdade para com o médio formato 6x7 câmera e lentes de Asahi resultou em uma rara associação de longo prazo entre um fabricante de câmera e fotógrafo. De 1970 a 2000 Asahi Optical (mais tarde Pentax) produziu 30 calendários dos quais Sam Haskins tiro e de arte-dirigido 15 edições, incluindo o calendário milênio. Nenhum outro fotógrafo foi convidado a contribuir cada vez mais de uma vez. Ele ainda está envolvido com a Galeria Fórum Pentax em Tóquio, que hospeda suas exposições. Seu primeiro contato foi em 1967, quando Asahi Optical lhe presenteou com uma câmera 35mm depois de ouvir que ele tinha atirado Imagem Africano com produtos de vários concorrentes.

Em 1972 ele produziu o seu livro primeira cor, posters Haskins . [1] A publicação de grande formato contido páginas impressas em um lado com um papel grosso duro e uma cola suave ligação perfeita permitindo que as páginas para ser removido e utilizado como cartazes. Haskins e sua esposa Alida sucesso auto-publicou o livro internacionalmente, com a sua própria editora, Haskins Press. O livro ganhou um prêmio de ouro no New York One Show . No momento em que a imagem mais conhecida de posters Haskins, o rosto de uma menina sobreposta a uma maçã com uma abelha perto do tronco, apareceu na capa ou em editoriais de quase todas as grandes revistas fotográficas do mundo. Esta imagem foi parte de uma experimentação bem divulgada visual e gráfica com o tema da maçã na década de 70 que por um tempo resultou em jornalistas fotográficos apelidando-o "Sam homem da Apple".

As imagens em posters Haskins atravessado uma série de diferentes temas criativos que todas as paixões se tornou assinatura para a imagem de tomada de Haskins 'nos próximos três décadas; composições graficamente forte de nus caracterizada por uma essência natural nos modelos, enquanto os temas de tomada de imagem explorada de experimentação gráfica, humor e erotismo sensual. Haskins 'tem um tema recorrente (enraizada na sua formação como pintor) de criar tensão na superfície de suas fotografias entre flat elementos gráficos e chiaroscuro 3D. Estes resultados são muitas vezes obtidos com iluminação sofisticada e / ou dupla exposição. Uma abordagem altamente criativa e design orientado para iluminação quase sempre desempenha um papel fundamental no trabalho Haskins, tanto no estúdio e em locações. Ele freqüentemente se desenvolve projetos de iluminação complexas para um único tiro específicos que nunca são repetidas. O exemplo mais recente dos quais é um tiro de moda para a revista New York 's issueshot 75 º aniversário em Nova York, Pier 57 estúdios em agosto de 2006. [2]

Ele também muitas vezes esculpido e pintado elementos gráficos para suas fotografias e inspirou-se uma combinação de surrealismo, ilustração, cinema e modernos designers gráficos.

Os experimentos gráfico pela primeira vez em posters Haskins e exposições relacionadas à Londres Galeria do fotógrafo e Teatro Nacional resultou em um livro chamado Gráficos Foto (1980). [3] O título do livro cunhado um novo termo na fotografia que se tornou amplamente utilizado.

Próximo livro Haskins ', Sam Haskins á Bologna (1984) resultou de um convite do prefeito de Bolonha para fotografar a cidade. [4] A publicação foi acompanhada por uma exposição na cidade. Este projecto levou a duas homenagens mais visualmente ricos locais filmado durante uma série de visitas, uma em Barcelona (1991) e outra na Caxemira (entre 1992 e 1994).

Em 2002 Haskins e sua esposa Alida movido para a Southern Highlands, na Austrália e construiu a terceira casa / estúdio de sua parceria. O movimento de distância de Londres resultou em um renascimento na fotografia Haskins 'fashion. Enquanto ele sempre teve uma paixão por moda desde o início de sua carreira, e Kate Cowboy designers de moda que abertamente influenciado creditado Haskins, ele não tinha sido cortejada pelo mundo da moda mainstream e que é justo dizer que ele também não cortejá-los. Um tiro para [Yves Saint Laurent (designer) | Yves Saint Laurent] em Paris, em 2002, resultou em uma 'redescoberta' que levou a um fluxo de atribuições, em Londres, Nova York, Paris, Tóquio e Sydney trabalhando para casas de moda e revistas.

Em dezembro de 2006, um mês depois de seu 80 º aniversário, a exposição retrospectiva do seu trabalho primeiro (com um viés portraiture) abriu na National Portrait Gallery em Canberra (Austrália). Esta foi também a sua primeira exposição em um museu nacional / galeria. O show durou quatro meses e meio até 22 de abril de 2007.

A exposição no National Portrait Gallery inclui vários retratos de outros artistas nunca antes vistas, incluindo uma do falecido Jean-Michel Folon , um artista gráfico muito admirado por Sam Haskins. Apesar de uma ou duas das imagens deste projeto retrato pessoal já tinha sido publicado, a maioria permaneceu parte de uma coleção tranquila construída ao longo de décadas de reuniões e fazer amizade com outros artistas.

Espólio artístico Sam Haskins 'é agora gerido por sua esposa e filho, que continuará a publicar e exibir seu trabalho.

 Influências

Sam Haskins é incomum entre os fotógrafos para também ser reconhecido como um designer. Ele tem em várias ocasiões, dada homenagem aos seguintes artistas como sendo uma influência sobre seu trabalho. Fotógrafos: Irving Penn , Richard Avedon , Edward Steichen e Henri Cartier-Bresson . Designers e tipógrafos: McKnight Kaufer , Paul Rand , Louis Dorfsman , Willy Fleckhaus , Alexey Brodovich , Herb Lubalin , Milton Glaser , Paul Rand e Saul Bass . Pintores: René Magritte , surrealismo , dadaísmo , impressionismo , pós impressionismo , a arte do século 20 a partir de Paris, Pop Art . Cineastas: Federico Fellini , Carol Reed (por sua direção de O Terceiro Homem ), Sergei Eisenstein (principalmente para o direcionamento de Greve ).

fotografias famosas por Sam Haskins

    Gill das cinco meninas no perfil de 1963

    O Cowboy Kate cinturão, vista de frente 1965

    O Cowboy Kate cinturão, retrovisor 1965

    Masai e Pondo senhoras em uma página dupla propagação projetado em 2006, com imagens tiradas a partir da imagem Africano de 1967

    Oscilações de humor de um spread recentes que justapõe a tampa frontal de posters Haskins com um rosto expressivo populares de novembro Girl, 1973 & 1966

    A cara da Apple a partir de posters Haskins, provavelmente a única imagem mais reproduzida por Sam Haskins, 1973

    Lindy Run de posters Haskins, uma imagem que simboliza o dinamismo da fotografia de moda Haskins, 1973

    Delia com dois peixes de uma Pentax calendário tiro no Seychelles , 1973

    Cityscape montagem de Sam Haskins uma Bologna, 1984

    Maria Carla Boscono tiro para Vogue Japão em Londres 2002

Sam Haskins desenvolveu uma apresentação de slides de médio formato comprometer até 500 imagens (cada exibida por 7 segundos) sincronizados com a música. Estes foram mostrados com um projetor manual tradicional operada por Sam usando um temporizador câmara escura. Exibido pela primeira vez em Brighton, em uma conferência internacional de fotografias em 1970 o show foi muito popular, enchendo teatros, cinemas e salas de convenções em conferências de fotos e apresentações públicas em mais de 50 cidades ao redor do mundo.

O formato inicial das lâminas foi 6cmx6cm como imagens médias todos os Sam formato naquele ponto havia sido baleado na Hasselblad e Rolleiflex. Sam teve a entrega de seu primeiro 6x7 Pentax em 1970 em Tóquio, mas que levou vários anos para construir um corpo de slides 6x7. A conversão dos slides para o formato 6x7 teve lugar em 1975 e foi neste momento que o show ganhou um perfil muito mais elevado a nível internacional.

Ensino e avaliar

Sam voltou para sua alma mater, o London College of Printing , em 1975 como assessor no exterior, o curso diploma fotográfica, uma posição que manteve até 1982.

Entre 1980 e 1985 ele também correu uma semana oficinas para escritores, cineastas, diretores e cenógrafos na escola televisão norueguesa de treinamento em Oslo.

Ele também correu workshops de uma semana de treinamento para prosumers e profissionais na Itália, Suécia e África do Sul nos anos 70.

O resto do seu ensinamento era geralmente menos um dia workshops em conferências de fotos e grupos que visitam seu estúdio. Sam manteve ligações estreitas com Syracuse University nos EUA, hospedagem grupos de alunos visitantes em seu estúdio em Londres a cada verão 1975-1988.

 Livros de Sam Haskins

Cinco Meninas          

Cowboy Kate            

Fotografia conceito, & Design          Sam Haskins

Imagens          Preto-e-branco

Imagem africano       

Cartazes Haskins       

Fotografia conceito, & Design          Sam Haskins

Moda Etcetera por Sam Haskins       Edição do autor

Comentário: Sam Haskins, além de fotógrafo era um designer, do tempo Pré-Photoshop, em suas criações ele fazia suas montagens através de técnicas de gráfica de fotolito, o que tornava o seu trabalho mais difícil, porém único.

Hoje com o photoshop ele seria um fotografo de criações ilimitadas e o único trabalho que as gráficas teriam seria de fazer um fotolito normal.

Helmut Newton- Biografias 7

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Helmut Newton (Berlim, 31 de outubro de 1920 — Los Angeles, 23 de janeiro de 2004), nascido Helmut Neustädter, foi um fotógrafo de moda alemão, naturalizado australiano, famoso por seus estudos de nus femininos.

Filho de um fabricante de botões judeu-alemão e de uma americana, desde muito jovem interessou-se por fotografia, tendo trabalhado para a fotógrafa alemã Yva (Else Neulander Simon).

Fugiu da Alemanha em 1938 para escapar à perseguição nazista aos judeus; trabalhou por algum tempo em Cingapura, como fotógrafo da Straits Times, antes de se estabelecer em Melbourne, Austrália.

Ao chegar à Austrália, ficou internado em um campo de concentração, assim como muitos outros "estrangeiros inimigos". Posteriormente serviu ao exército australiano como motorista de caminhão, durante a Segunda Guerra Mundial.

Em 1946 instalou um estúdio fotográfico no qual trabalhou principalmente com moda, nos afluentes anos pós-guerra. Pouco tempo depois tornou-se cidadão australiano.

Nos anos seguintes viveu em Londres e Paris, e trabalhou para a Vogue francesa.

Criou um estilo muito particular de fotografia, marcado pelo erotismo, freqüentemente com alusões sado-masoquistas e fetichistas. Sua notoriedade aumentou nos anos 1980 com a série "Big Nudes".

Passou os últimos anos de sua vida em Monte Carlo e Los Angeles. Morreu em um acidente de automóvel na Califórnia. Suas cinzas foram enterradas em Berlim, Alemanha.

Ligações externas

O Commons possui multimídias sobre Helmut Newton

    Fundação Helmut Newton (The Helmut Newton Foundation) (em inglês)

    Fotos de Helmut Newton (em inglês)

    Biografia de Helmut Newton

    Obra e exposições de Helmut Newton

Helmut Newton 

Helmut Newton levou a vida glamourosa final. Ele viveu no Chateau Marmont nos meses de inverno, para manter o frio ea escuridão na baía, fazer amizade com Billy Wilder, Dennis Hopper e Robert Evans. Ele era casado com a colega fotógrafo Alice Springs, quirkily nomeado após um pino foi colocado em um mapa.

Newton chegou a Paris em um Porsche branco, foi contratado imediatamente pela Vogue francesa, encomendado pela Playboy, teve um ataque cardíaco aos 50 anos, e morava em Monte Carlo. Então, em uma aventura final - ou o que Karl Lagerfeld poeticamente descrito como "a sua última foto, tirada por ele mesmo", ele bateu seu Cadillac em Sunset Boulevard 83 anos, em 23 de janeiro de 2004.

• Depois de tomar um modelo para as ruas durante uma das primeiras tarefas na Vogue britânica, ele foi severamente contada pelo editor que "senhoras, Helmut, não encostar postes de luz"

• Todas as exposições de Newton foram curadoria de sua dedicada esposa, todos os livros editados por ela, incluindo: Mulheres Branco (1976), Sleepless Nights (1978), Nudes Big (1978), World Without Men (1984) e do Sumo maciça (1999) , que saiu em 31 centímetros, 26 quilos, R $ 625, e com a sua própria mesa de café (Brad Pitt comprou várias cópias)

• Comemorando 51 anos de casamento, em 1999, sua exposição conjunta e livro, eles e nós, incluídos foto de Alice de Newton vestindo apenas meias pretas e seu retrato estranhamente concurso de deitada em uma cama de hospital, após uma grande operação, usando um cateter e um fecho de correr de metal enorme subindo seu estômago.

www.helmut-newton.de

Categorias: Mortos em 2004 | Fotógrafos da Alemanha | Vítimas de acidentes de trânsito

   Comentário: Helmut Newton era um fotografo em que bastava olhar para suas fotos para se saber instantaneamente que eram dele, principalmente as fotos em PB. Único,ousado e polemico seria alguns adjetivos que “vestiam como uma luva para ele.

    

A Maquina Ideal ou Um Guia de compra.

Existe uma maquina ideal, que sirva a todos os fotógrafos? Se você pensa que é aquela top de linha cara, engana-se e eu  digo o por que.

O Primeiro ponto é analisar quem é você, amador, turista, amador avançado, artista, profissional da área de eventos, profissional que trabalha em um jornal, profissional consagrado como JR Duran etc

O Segundo ponto é analisar em que estágio você esta e quais é a sua pretensão agora e no futuro.

A Seguir indeficando você mesmo, começam etapas, que vão desde a sua primeira câmera a ser comprada para aprender,até a real necessidade de comprar “aquela câmera de seus sonhos”.

O Passado.

Enquanto as maquinas eram apenas mecânicas, havia pouca oferta e os passos a serem seguidos eram mais “fáceis”.Uma câmera usada poderia ser uma solução inicial, já que estas eram mais fáceis de concertar, tais como os relógios de corda.

Havia um português,em Curitiba, chamado de “Seu Ribeiro”, que  tinha a habilidade de fazer no micro torno até minúsculos parafusos ou peças.

O que no passado dava-se um jeito, hoje com as maquinas atuais se substituem peças , mesmo assim há uma dificuldade em termos de Brasil na substituição de tais peças, que são importadas.

O Presente.

Há uma grande diversidade de maquinas semelhantes, que são diferenciadas por detalhes e por um marketing feroz, que muitas vezes conduz o comprador a comprar, o que ,uma maquina complicada, cara, e com um longo manual.

Depois de feita a compra( um triunfo para as indústrias), na pratica o fotografo vai constatar que não era aquilo que ele precisava.

Todos os novos recursos são bem vindos, desde que haja uso para eles, fora isto é como comprar um dobermann como cão de companhia...

Uma solução paliativa é escolher uma câmera, ver no site: dpreview.com ,o que existe e quais são as suas concorrentes(ha testes comparativos)e ver fotos feitas com as mais diversas cameras.Há também o custo delas e nem sempre o custo mais baixo fala mais alto.

Seguir aleatoriamente a maioria, neste caso é cair na rede do markting.

Nelson Piquet, na época campeão mundial de F1 respondeu uma vez a uma pergunta de um jornalista:Qual é o melhor carro? A resposta dele foi curta e direta, o melhor carro não é o mais caro, e simplesmente UM CARRO  N O V O...

E isto em minha opinião vale para tudo.

Nunca compre uma Digital Usada.

As câmeras, desde  que deixaram de ser só mecânicas, e começaram a serem mistas com partes eletrônicas, começaram uma nova era em termos de  concerto”.Começou-se um” substituir peças” ao invés de consertá-las.E ai o preço de conserto foi la em cima.E o pior o tempo de espera, que você fica sem a sua maquina ainda é grande. O que te obriga, a ter duas iguais.

No tempo das maquinas mecânicas ou das mistas,havia uma possobilidade de comprar uma maquina usada e “rezar” para que ela não nos deixasse na mão.

Historia Viridica.

Numa sesta feira, eu estava com a agenda cheia para sesta e sábado.Na sesta minha Nikon N800 deu pau, eu tinha uma Nikon F , mecânica e continuei com ela.No sábado de cara a Nikon F também deu pau.Solução liguei para um amigo que me socorreu emprestando uma Canon.   E se este amigo estivesse viajando???

Na segunda feira, mandei as 2 maquinas para conserto comprei uma maquina Nova e outra usada.As outras só voltaram 1 mês depois.

No Digital câmera boa é Nova. Por 2 razões, uma que ela estará atualizada e outra porque só você e quem vão usar.

O Uso da Câmera Digital

No Entanto, o uso de uma câmera digital profissional, pode ser intercalado com o uso  de uma compacta de 1ª linha.Dependendo do tipo de trabalho não vale à pena usar uma câmera profissional, quando uma compacta supre a necessidade.

Um exemplo : em um trabalho de documentação, a compacta toma o lugar da profissional sem perda de qualidade.

È como você tivesse um bom carro para uso geral, viagens etc e um pequeno só para andar na cidade.

Isto não era possivel no tempo das analógicas.

Sobre as Compactas

Apesar do que eu disse acima, as compactas  de 1ª linha servem como estepe,as mesmo suprindo uma necessidade,entretanto, elas NÃO SUBSTIUEM em tudo as semi-profissionais e profissionais...

A luminosidade da lente.

No tempo do foco manual, quanto mais luminosa era a lente, melhor(fazia-se menos esforço visual) era a focalização.

É claro que as lentes mais luminosas têm mais qualidade e por isto custam mais, mas hoje com o auto-focus é mais importante você ter uma lente que tenha estabilizador de imagem, que uma lente mais luminosa

Resumindo a opera.A sua primeira câmera digital deve ser antes de tudo uma câmera atual de marcas consagradas como Nikon e Canon. Tendo em mente que Nikon é mais cara e mas dura mais e Canon é mais barata e te permite mais atualizações.

Se uma tem 14mp e outra 12 MP isto não significa que o numero maior é mais importante, neste parâmetro elas são praticamente iguais.Uma diferença de pelo menos 50% a mais já é uma diferença visível.

Qual é a vantagem de um modo geral um maior numero de megapixel?

Tanto nas câmeras compactas, ditas amadoras, quanto nas profissionais o numero maior de megapixel representa uma possibilidade maior de re-enquadramento

E o ISO como fica?

A grande vantagem das câmeras profissionais é que nos altos Isto é, elas tem menos ruído que as compactas, pois os processadores são diferentes.

Fora isto, fotografar no Iso 200, tanto faz uma compacta como uma profissional

E para finalizar tenho a dizer que devido ao grande numero de marcas existentes, é bom ver na dpreview.com imagens feitas com câmeras não tão conhecidas ou de marcas não consagradas.

No Flickr, também é uma fonte de referencia para se ver qualidade de imagens”.Basta procurar fotos feitas com a “marca “ XXYY”.

As Câmeras de médio e grandes formatos (Uso exclusivo profissional)

Até o advento do digital, havia um “divisor de águas” entre os 3 formatos principais.

O 35mm servia para reportagem e amadores.Usado também na área editorial.

O Formato 120 (4,5x6-6x6-6x7-6x9)era considerado o formato medio profissional,usado quando se precisava de grandes ampliações,nas paginas duplas de revistas e Capas de Revistas.

O Formato 4x5 pol.(e formatos ainda maiores) eram usados em fotografia para ampliações ilimitadas e usavam filme de chapa rígida, Este formato atingia a altos níveis de perfeição, mas limitava o fotografo a 1 click de cada vez, ai virava-se o porta filme e batia-se o segundo click.

Este formato tomava mais tempo e limitava os números de fotos, sendo usado principalmente em fotos estáticas. Mesmo em retrato era necessário que a pose fosse estudada, o modelo ficasse imóvel e o pior que a maquina sempre tinha que estar no tripé. Outra desvantagem é que a imagem no visor era vista de cabeça para baixo, sendo necessário um pano preto para cobrir o visor e a cabeça do fotografo.

Este formato ainda existe, mas seu uso se tornou mais limitado e sua utilidade foi substituída no digital pelas maquianas de médio formato digitais.

E por conseguinte o que se fazia antes só em médio formato foi substituído pelo que antigamente se chamava 35mm, devido ao elevado numero de pixeis das câmeras profissionais atuais.

É claro que isto tem um preço e as 35mm foram divididas entre profissionais e semi-profissionais. A escolha então varia conforme a finalidade a que a maquina se destina,sendo que seu preço acompanha o tipo de profissional que vai opera-la.

O mesmo vale para os médio formatos e também aos grandes formatos que ficaram ainda mais restritos.

A vantagem disto tudo se chama praticidade e velocidade no tempo de serviço(produção).

E para os amadores em geral ?

Os amadores da era digital, podem ser agora muito mais exigentes e obter muito mais qualidade, dependendo do seu grau de conhecimento.

Um amador avançado por exemplo pode conseguir sem investir muito dinheiro uma foto de qualidade profissional, adquirindo uma maquina de custo bem menor que uma dita “profissional” e com a vantagem de poder se atualizar mais frequentemente, com os novos recursos que nascem a cada dia, muitos deles vindos das  maquinas profissionais.

E qual é a diferença entre uma maquina profissional e uma semi-profissional?

Começa pelo preço e finaliza pela durabilidade ou vida útil.Um fotografo de jornal, por exemplo, precisa de uma maquina profissional por causa do elevado numero de clicks que ele bate, já um amador avançado não.

Quando eu falo em numero elevado, eu estou me referindo a1000 ou 2 mil clicks dia, que é o que se faz no futebol e esportes em geral.Cada segundo é importante.

Abaixo, algumas fotos feitas com cameras compactas. Canon G11 e Nikon Coolpix P500.

Visão Fotográfica & Oportunidade.

Visão Fotográfica & Oportunidade.

Uma das coisas mais difíceis na fotografia , vai além da técnica, e além do tipo de máquina com que se capte uma imagem.

Por isto existe o ditado que “A maquina Não Faz o Fotografo”, mas em contrapartida a Visão Fotográfica faz de qualquer um, um fotografo de verdade, isto é uma coisa que pode levar anos para se formar até se tornar um processo “automático”e se repetir muitas vezes ou pode acontecer uma vez na chamada foto de sorte.

Mesmo sem qualidade esta foto abaixo poderia ser captada com um celular, bastaria ter Visão fotográfica, estar no lugar certo na hora certa e pronto.

Quando fiz esta foto, na realidade eu estava fotografando outra coisa no local, numa fração de segundos olhei para o chão (o rio no caso) e vi boiando esta folha no formato de um peixe, consegui fazer 2 clicks e logo depois a própria correnteza do rio desfez esta figura não me dando a oportunidade de uma terceira foto.

Os fotógrafos de hoje, podem ter mais chances de captar coisas assim com o advento das compactas de 1ª linha, no caso esta foto foi captada com uma Canon G11.

Veja os exemplos abaixo: A versão original e a versão artistica transformada no photoshop

Fotografia Infravermelha- O Ontem e o Hoje

Fotografia Infravermelha, até onde eu conheço...

O Ontem

A fotografia Infravermelha, tal como eu a conheço, é um tipo de fotografia, que usa fontes de calor, para se fotografar através delas algo que não se vê.

Por exemplo: Um motor de um carro,  recém desligado, portanto ainda quente, sem que se abra o capô do carro.

Criada para uso militar e cientifico esta fotografia tinha uso limitado e proibido, devido permitir a invasão do que não se vê. Isto acontecia no tempo dos filmes.

Anos mais tarde a Kodak começou a produzir para o publico em geral, um filme com as mesmas características para uso também artístico.Entretanto quem o usava tinha que se prevenir para não aquecer o filme.Inclusive as maquinas analógicas, antes do auto-focus,tinham um “R” em vermelho, no anel de focalização, que servia justamente para acertar o foco visual para o infravermelho.

Hoje a antiga função do infravermelho ficou obsoleta no uso militar, trocada pelas câmeras e binóculos de visão noturna. E na área cientifica computadores com programas especifico permitem scanear dentro de pessoas e materiais.

O Hoje.

Atualmente na área digital, a própria tecnologia limitou o seu uso e o que se produz hoje, conforme o tutorial abaixo é muito diferente do produzido com filme.

E assim a fotografia infravermelha , passou a ser uma manipilação no photoshop, perdendo toda magia e tabus que cercavam a fotografia pré-digital.

Aquele gostinho do “proibido” se foi, o uso militar se modificou e ainda mais o uso cientifico que ficou caro demais, para fotógrafos em geral.                                                                  O Ontem

                                      O hoje

Tutorial de Fotografia de Infravermelhos - A luz que não se vê

Fonte:http://www.forumfotografia.net/index.php?topic=2800.0

Este é um tutorial é uma introdução à fotografia de infravermelhos, orientado para fotografia digital com DSLR, não convertida para infravermelhos, usando um filtro IR (Hoya R72).

A fotografia de infravermelhos mostra uma espécie de efeito térmico, normalmente as árvores e folhagem branca e céus com nuvens destacadas, é o uso mais comum.

Considerações sobre a luz infravermelha (luz IR)

A luz infravermelha não é visível, pois o seu comprimento de onda é maior do que que o da luz visível ao olho humano. Para se conseguir ver a luz infravermelha é preciso um filtro de modo a isolar os comprimentos de onda da luz infra vermelha, para serem captados pelo sensor da máquina. Os objectos tornam-se visíveis pois o sol ou outra fonte de luz emitem um quantidade de luz infravermeha que é reflectida ou absorvida pelos objectos.

Material

Máquina Digital

Nem todas as máquinas são capazes de captar a luz infravermelha, e as que captam não o fazem todas da mesma forma. Há diferenças substanciais dentro da própria marca em vários modelos. Isto deve-se ao facto de as máquinas digitais terem um filtro de bloqueio de luz IR interno por cima do sensor, visto que a luz IR degrada a qualidade da luz visível numa fotografia (daí o facto de ter de ser captada separadamente dos outros comprimentos de onda).

Portanto, diferentes máquinas deixaram passar diferentes quantidades de luz IR, conforme o seu filtro interno é mais ou menos forte.

A generalidade das Canons têm um filtro interno demasiado agressivo pelo que obrigam a tempos de exposição muito prolongados, como tal não são a melhor escolha.

Na Nikon a D100/D70/D50 são boas opções.

Fitro

O filtro mais popular para este tipo de fotografia é o Hoya R72 (screw-in). Este é um filtro bastante denso, de tom avermelhado, que bloqueia todos os comprimentos de onda de luz abaixo dos 720nm (nanómetros), deixando passar a luz IR que queremos captar e um pouco de luz normal (vermelho).

Existem outros de fabricantes como a Cokin, a B+W ou a série Wratten da Kodak (89b, 87, 87c) com diferentes níveis de transmissão de luz IR. Este tutorial centra-se no uso do R72.

No campo

A hora

É comum assumir que a melhor hora para fotografia IR será por volta do meio-dia onde a intensidade da luz solar é mais forte, permitindo assim tempos de exposição mais curtos. Mas o fim da da manhã e ainda um bom bocado da tarde também podem resultar bem, se for preciso usando uma abertura maior e prolongando o tempo de exposição.

Tripé

É absolutamente necessário um tripé dado que os tempos de exposição são prolongados, normalmente de 1 segundo para cima conforme a sensibilidade da máquina.

ISO

Usar o mínimo possível sempre, dado que a fotografia de IR tende a ter mais ruído.

Modo

As máquinas enganam-se um bocado com o filtro colocado por isso é aconselhável fotografar sempre em modo manual, isto permite uma exposição correcta e um melhor treino para este tipo de fotografia.

White Balance

Este é um aspecto fulcral para obter uma boa imagem. É preciso usar um WB "custom", usando a máquina para medir o WB recorrendo à função respectiva (nas Nikons o "PRE"). Para contrariar o tom avermelhado do Hoya R72 pode-se medir o WB a partir de algo verde bem iluminado, por exemplo relva ou folhagem, com o filtro IR colocado na lente. Não há problema se demorar algum tempo e isto pode ser feito sem tripé, estamos só a medir o WB não a tirar uma foto, não há problemas de desfocagem, etc... Isto resultará em imagens com tons um puco "sepia" logo saidas da máquina, como a primeira imagem de exemplo no inicio deste tutorial.

Este não é o único WB possível, diferentes WB vão introduzir alterações na cor, como acontece em fotografia normal.

Composição e focagem

É praticamente impossível usar o autofocus das máquinas depois de colocar o filtro dado que é muito denso. Portanto é preciso compor a cena e focar no objecto antes de colocar o filtro, trancar o foco usando o AF Lock ou passando o interruptor da lente/máquina para foco manual e não mexer mais no anel de foco.

Colocar então o filtro na lente com cuidado para não se mexer na lente/camera para não desfocar.

Opcionalmente pode-se fotografar a cena normalmente sem filtro, mais tarde pode vir a ser útil compor a foto normal com a foto IR no pós-processamento digital.

De notar que a luz IR não foca no mesmo ponto que a luz normal. Como o comprimento de onda da luz IR é maior do que o da luz normal o ponto de foco é ligeiramente diferente, normalmente um pouco mais à frente. Muitas das lentes antigas e algumas das actuais "pro" têm umas marcas vermelhas nas lentes. Essas marcas são os index do foco de infravermelho. Para quem tem lentes destas, depois de focar automaticamente, deve rodar o anel de foco do index normal para o index de infravermelho. Caso não tenham as marcas na lente é ir exprimentando. Este problema só se torna mais evidente a aberturas muito grandes onde a DOF é curta e é fácil notar erros de foco. Para aberturas a f11 ou mais é desprezàvel.

Rever

No LCD rever a foto e ver se não existem brancos queimados, que normalmente aparecerão como manchas em azul cyan.

Pós-processamento

Naturalmente este capitulo seá ao gosto de cada um, ficam aqui apenas os "truques" mais comuns:

Levels

Normalmente as fotos de infravermelhos ficam um pouco escuras e esbatidas pelo que a primeira coisa a fazer é acertar os Levels da foto para dentro do histograma. Recorrendo à ferramenta Levels colocar os ponteiros dos extremos onde começa a informação do histograma.

O céu azul (Channel Swap)

Para obter outros tons, nomeadamente aqueles tons azuis mais comuns é preciso trocar os canais red/blue da imagem.

Recorrendo à ferramenta Channel Mixer, no canal RED colocar o Red a 0 e o Blue em 100

No canal BLUE, colocar o Red a 100 e o Blue a 0.

Os tons brancos

Se se pretender tons mais brancos quando a imagem tem tons mais avermelhados/amarelados, é só reduzir a saturação no canal RED ou YELLOW, usando a ferramenta de Saturation.

O melhor será ver este tutorial de Photoshop http://www.lifepixel.com/videos/basic-infrared-photoshop-info.html

Conclusão

A fotografia de infravermelhos apresenta uma nova forma de ver o mundo, a luz que não se vê. Os resultados finais têm sempre algum grau de imprevisibilidade, isso pode tanto algo tido como frustrante ou estimulante conforme cada um encarar a coisa. Acima de tudo, apesar de algo trabalhosa, é um tipo de fotografia divertido e original.

Mais informação:

http://www.luminous-landscape.com/reviews/cameras/infrared%20dslr.shtml

http://en.wikipedia.org/wiki/Infrared

http://www.cyanogen.com/help/maximdl/Infrared_Sensitivity.htm

http://www.jr-worldwi.de/photo/index.html?ir_comparisons.html

http://www.kenrockwell.com/tech/ir.htm

           

fotos

Philippe Halsman - biografias 6

Philippe Halsman biografias 6

                                                                        auto retrato

O criador dos pulinhos na fotografia

Comentário:  Imagine criar fotos como estas, em Studio, sem Motor-Drive e sem

Photoshop!!!!!

Fonte: http://revistacriativa.globo.com/Revista/Criativa/0,,EMI166053-17354,00-O+CRIADOR+DOS+PULINHOS+NA+FOTOGRAFIA.html

Philippe Halsman marcou-se entre os fotógrafos célebres e sua vida foi recheada pelo olhar apurado, pelas idéias singulares e por fatos insólitos. Ele revolucionou as imagens da Vogue Paris, fotografou 101 capas da revista Life, tornou-se ainda parceiro do pintor surrealista Salvador Dalí – com quem assinou uma série de imagens que marcaram a arte e a fotografia do século 20. Na década de 1950 criou o projeto Jumpology, colocando gente ilustre para pular, marcando assim a sacada de fotografia perpetuada até hoje em todas as publicações de moda do mundo. Um dos primeiros fatos marcantes de sua vida foi em setembro de 1928 quando esteve nos Alpes da Suíça, onde nasceu.

Depois da morte nunca esclarecida do pai durante a viagem, ele foi acusado de assassinato, ficou preso por quatro anos e ganhou cartas de apoio do escritor Thomas Mann e de Albert Einstein, amigo de família. Deixou a prisão no fim de 1931 com a condição de não voltar mais ao país. Mudou-se para a França onde começou sua carreira na Vogue transformando a direção de arte da publicação quanto às imagens.

Com a invasão nazista à capital francesa, seu destino foi Nova York. A partir de 1942, Halsman escreveu seu nome na revista Life com retratos de personalidades como Alfred Hitchcock e Pablo Picasso. Depois de cada sessão de fotos, Philippe Halsman pedia que seus modelos pulassem para registrar o movimento. Assim nasceu o Jumpology, que junta jump, ou pulo, a psicology, psicologia. O projeto era explicado por ele assim: “Quando você pede para uma pessoa pular, sua atenção está mais para a ação, então suas máscaras caem e o verdadeiro eu aparece.”

Em 1949, publicou Philippe Halsman's Jump Book, que contém 178 famosos se jogando na performance aérea. História que virou filme em 2009, no longa Jump! com Patrick Swayze, que narra a biografia do fotógrafo e recria seu projeto, e na exposição que esteve em cartaz até maio em Nova York com a lista de pulos ilustres feitos por Marilyn Monroe, Richard Nixon, Audrey Hepburn, o duque e a duquesa de Windsor e Brigitte Bardot.

Sua foto mais Genial em Parceria com Salvador Dali